SERCINE

LE FILS

2011-04-23T20:39:00.000-07:00

Para quien haya aprendido a valorar el cine hecho con maestría sería inadmisible pasar por este film sin comentarlo... Siempre en mis profanas discuciones de aún un neófito, sostengo que el "lexema" del cine es la imagen. Aclaro que de otra parte defiendo con vehemencia el papel que tienen el fondo musical y el sonido de una película, pero a la vez sigo sosteniendo en la centralidad de la imagen aunque acepto con sinceridad la crítica de quienes me dicen que el cine es un todo integrado de varios elementos como la imagen, el sonido, el texto. etc... Bueno pero este film si que le da protagonismo a la imagen, no hay ningún fondo musical, aunque si un sonido que acompaña en un buen porcentaje como lo es el la madera en un taller de carpintería.... La cámara aquí sigue al personaje protagonista en un plano medio y en primer plano con insistencia y nos coloca casi como espectadores sicólogos a interpretar su gestualidad, además visto desde un plano no muy usual como lo es su espalda cruzada por unas tirantas por sobre su camisa...

Alterna con estos planos la impecabilidad de la madera limpia y de medidas exactas del taller de carpintería, el sonido del martillo, aveces de las sierras... Son pocos los personajes, en realidad el protagonista y al lado su esposa en unas cuantas escenas y el coprotagonista...

Este drama creado a través del constante siguimiento del personaje con la camara logró tocar muchas fibras de mi sensibilidad: ver este choque entre el perdón y el dolor del padre de la víctima... Sin poder en realidad dar una respuesta y talvez en la oscuridad encumbridora del cine dejar pasar los sentimientos, las angustias y al tiempo producir hipótesis a los dilemas éticos y humanos que plantea el film. Casi que el desarrollo de la película nos dice con la cámara: "sigamosle a él, veamos que le pasa, que busca, a donde va y que va a hacer..."

Dirección y guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne.
Países: Francia y Bélgica.
Año: 2002.
Duración: 103 min.
Interpretación: Olivier Gourmet (Olivier), Morgan Marinne (Francis), Isabella Soupart (Magali), Rémy Renaud (Philippo), Nassim Hassaïni (Omar), Kevin Leroy (Raoul), Félicien Pitsaer (Steve), Fabian Marnette (Rino), Jimmy Deloof (Dany), Anne Gérard (Madre de Dany).
Producción: Jean-Pierre y Luc Dardenne, Denis Freyd.
Fotografía: Alain Marcoen.
Montaje: Marie-Hélène Dozo.
Diseño de producción: Igor Gabriel.
Vestuario: Monic Parelle.

Before the Devil knows you're dead

2011-01-17T21:05:00.000-08:00

Bueno esta película es de alta tensión y no porque sea de misterio, sino por el drama humano que logra representar. Lo de la verosimilitud es lo de menos, ni la creación literaria, ni la cimematográfica deben estar atadas a este parámetro si a cambio logran desentrañar algo de calidad y esta película creo que lo logra: su trama supera ese dilema reduccionista de los buenos y los malos. El productor lleva al límite los desafueros que producen los inevitables desequilibrios de nuestras vidas y a pesar de lo sórdidos, parecen atenuarse por la impotencia ante la demoledora realidad en la que transita el ser humano, la complejidad de circunstancias de las que no somos dueños.
Un recurso muy interesante y original es el recurrente flashback (por el modo de usarlo)a través del cual se pueden apreciar los diferentes puntos de vista de los personajes, con lo cual el espectador tiene que reubicar sus afectos o sus odios: no hay buenos, ni malos... Solo realidades vistas desde múltiples ángulos...
Bueno...transcribo aquí un comentario muy calificado y conocedor del mundo del cine.
/www.blogger.com/post-edit.g?blogID=7902599202385365850&postID=9135740489221478933
Leyenda viva del séptimo arte, Sidney Lumet ha recorrido varias décadas del cine norteamericano, adaptándose, a su manera, a las diversas formas y derivaciones que el negocio fílmico ha ido adquiriendo.

Posee su filmografía indiscutibles altibajos pero también excelsos ejemplos de un cine seco y coherente, sin soluciones fáciles, que describe, minuciosamente, personajes situados en el abismo de su propia decadencia.

Parecía enterrada la hiriente sequedad y crudeza de «Tarde de Perros» o «Serpico», así como la excelencia narrativa de «12 Hombres sin Piedad» o «La Trampa de la Muerte» o ese escarbar doloroso en la verdad humana de «El Prestamista».

Con «Antes que el diablo sepa que has muerto», Lumet reúne las principales virtudes de su cine: respeto y originalidad en la estructura narrativa de la historia, una cortante y punzante forma de explicar los acontecimientos y una indagación extraordinaria en unos personajes que caminan sin rumbo hacia ninguna salida.

Lumet ha resucitado, de forma palmaria, un cine serio y sin concesiones, hiriente y agresivo, salpicado de tensiones personales y familiares, incomunicación, desesperación y desquiciante animalismo.

Thriller en toda regla, «Antes que el diablo sepas que has muerto» contiene momentos de una espeluznante sobriedad, violencia indisimulada y naturalista y una definición de la relación entre los personajes donde la aridez emocional se impone a los lazos que los unen, sean familiares o privados.

A sus 82 años, Lumet ha dejado para la posteridad uno de los thrillers más insanos y desesperanzados que uno recuerda. Una reflexión inquietante sobre nuestra maldad innata.(1)

Cine de verdad, cine con verdades, cine rasgante que no ofrece salidas en una sociedad deshumanizada, cruel, dónde el ser humano no encuentra más destino que el de autoproducirse su propio final.

Antes deberá transitar un rompecabezas, como la estructura del film, sin sentido, caótico y descriptivo de su existencia al que deberá denominar: su propia y desagradable vida.

(1) Bueno difiero del comentarista, no creo ni el la maldad, ni en la bondad innata, sino del entramado de circunstancias de la vida. No somos ni buenos, ni malos, hay una búsqueda de cada ser humano que se manifiesta de maneras diferentes. Quizá muchas vidas impecables también guarden sus tormentas...

Título original: Before the Devil Knows You're Dead
Año: 2007
País: USA
Duración: 117 min
Estreno en USA: 26-10-2007
Director: Sidney Lumet
Reparto: Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Albert Finney, Marisa Tomei, Rosemary Harris
Guión: Kelly Masterson
Música: Carter Burwell
Productora: THINKFilm
Género: Thriller

MY BLUEBERRY NIGHTS Spanish and English Comments)

2010-11-07T20:50:00.000-08:00

He visto esta fascinante película de la que verdaderamente puedo decir que es cine como creación continua de imagen, se trata de eso: es una historia contada a través de la imagen porque se trata de cine…son personajes actuando en escenarios enfocadas con una cámara que les sigue y les descubre, que insiste en penetrar en sus sentimientos con transfondos cuasi alucinantes como el tren urbano o las suaves melodías que constituyen ese escenario musical tan importante del cine.

El desarrollo del film es pausado, colocando la intensidad a cada momento para mantener vivo el interés del espectador quien se adhiere progresivamente a la trama, y en mi caso no solo sin perder el interés, sino sintiéndole con un vivo deseo de solidaridad afectiva con sus personajes.
Si, este film es eso: imagen, sonido y sentimiento que se entrelazan para permitirnos vivir algo de la vida y descubrir significados a través de la ficción. El director, de quien no conocía demasiado, me ha dejado plenamente motivado para ver otros films de él, si alguien al leer este block puede recomendarme algún film en especial de él se lo agradezco, al fin y al cabo estas páginas son para esto, para intercambiar, para comunicarnos.

Dirección: Wong Kar-Wai.
País: Hong Kong, China y Francia.
Año: 2007.
Duración: 111 min.
Género: Drama.
Interpretación: Norah Jones (Elizabeth), Jude Law (Jeremy), David Strathairn (Arnie), Rachel Weisz (Sue Lynne), Natalie Portman (Leslie), Chan Marshall (Katjia).
Guión: Wong Kar-Wai y Lawrence Block; basado en un argumento de Wong Kar-Wai.
Producción: Wong Kar-Wai y Jacky Pang Yee Wah.
Música: Ry Cooder.
Fotografía: Darius Khondji.
Montaje: William Chang Suk Ping.
Diseño de producción: William Chang Suk Ping.
Vestuario: William Chang Suk Ping y Sharon Globerson.
Estreno Enero 2008.

Copio aquí la canción de la banda sonora con imagenes de la película
http://www.youtube.com/watch?v=NU2wn9L0DXc&p=55882BC68DFEDE81&playnext=1&index=31

I apologize for the misuse of English, I'm trying to learn it and do it for now using a mechanical translator, primarily because I want to be able to communicate with people of other languages.
I have seen this amazing movie I can truly say that it is cinema as a continuous creation of image, this is about is a story told through the image because it is film characters ... are acting on stage with a camera focused I still find them, insisting on entering her feelings stunning backdrop as the train near urban or soft melodies that are so important that the music scene of the film.
The film is slow developing, setting the intensity at all times to keep viewer interest alive progressive who adheres to the plot, and in my case not only without losing interest, but feeling an intense desire for solidarity with their affective characters.
Yes, this film is just that: image, sound and feel that interlock to afford to live some life and find meaning through fiction. The director, who did not know much, has left me fully motivated to see other films of him, if anyone reading this block can recommend any film in particular I thank him, finally after all these pages are for this, to exchange, to communicate.

CACHE Y EL MAQUINISTA

2010-01-31T18:52:00.000-08:00

EL MAQUINISTA

CACHE

CACHE Y EL MAQUINISTA

Este fin de semana he tenido una doble experiencia con el cine alrededor de un mismo tema, con dos películas contemporáneas (un año de diferencia la una co0n la otra): Caché de Michael Haneke Y El Maquinista de Brad Anderson. Ambas nos conducen a través de una intriga psicológica, existencial, transitando por los senderos de devastadora angustia de un enigma que mortifica por tocar la propia vida, por el silencio hermético que nosotros mismos colocamos ante nuestro propio dolor y tal vez la resistencia a algunos retos de la vida.

En Caché el ojo de la cámara invita al espectador a un ejercicio protagónico: le lleva allí a mirar y a intrigarse mediante el manejo de figuras icónicas que a través de la retina impresionan y nos causan estremecimientos internos porque nos evocan el dolor y la muerte. También se hace presente el poder del flashback como reminiscencia desequilibrante. Siempre todo alrededor de imágenes con su gramática propia del suspenso.

La experiencia de El maquinista también recurre a la imagen, en especial del cuerpo carente de vigor, en una autoabsorción, un cuerpo que se devora así mismo, que prácticamente se niega a vivir y así se muestra en una imagen patética ante el espectador, allí el poder de la imagen: las palabras se silencian o solo complementan. Como en Caché, allí también hay una iconicidad que nos remite al evento trágico de la muerte, mientras el protagonista lucha por sobrevivir atrapado en su impotencia. El frio y la pesadez aplastante de las máquinas que devoran con indiferencia al ser humano enajenado por su angustia. Imágenes persiguiendo seres cuasi fantasmales…

En ambas cintas hay calidad y maestría y protagonismo de la imagen. Vale la pena verlas.

Caché-Escondido (Caché)
Reparto: Lester Makedonsky, Juliette Binoche, Daniel Auteuil, Maurice Benichou, Annie Girardot
Director: Michael Haneke
Duración: 01:55:00
Estreno: viernes 20 enero 2006
Género: Acción
Distribuidora: Golem Distribución

El Maquinista (The Machinist)
Reparto: Jennifer Jason Leigh, Reg E. Cathey, Larry Gilliard, John Sharian, Christian Bale, Anna Massey, Michael Ironside, Aitana Sánchez-Gijón
Director: Brad Anderson
Duración: 01:42:00
Estreno: viernes 17 diciembre 2004
Género: Drama
Distribuidora: Filmayer Internacional

DEEP CRIMSON

2010-01-01T21:22:00.000-08:00

Una de las cosas valiosas del cine son los descubrimientos, esos que uno hace por casualidad cuando vemos una película de la que no sabe demasiado, y esta noche del 1 de enero he hecho uno: el film Deep Crimson del director mexicano Arturo Ripstein (Tomada de una historia verídica que ya se había llevado al cine - The Honeymoon Killers (1970).Este film es de esos que desde el principio muestran esta seducción propia del cine: el buen manejo de la imagen, a través de tomas, planos y escenas van modelando la trama a medida que vemos los rostros de los actores, los escenarios, los objetos, en este caso una mezcla de ironía, suspenso y desnudes de lo macabro que se puede generar en la vida del ser humano por su infortunio interno: tal vez allí en donde nace el crimen, pero en donde a su vez se muestra que en medio de esta sordidez habita el maravilloso espíritu del amor, por ello al espectador, por lo menos para mi, no resulta sencillo odiar o comprender a quien representa lo inaceptable.

No conozco, soy un neófito el cine, de este director, obviamente después de ver el film, que me mantuvo con la máxima atención y crispación y dudas desde el comienzo, averigüé ya algunos datos y he encontrado que se trata de un cineasta de calidad (bueno no necesité leerlo para conceptualizarlo: lo exquisito es exquisito). Me daré a la tarea de buscar más cine suyo, no sé si aquí en Colombia pueda encontrar más películas de este director, pero si por cuestiones de azar algún visitante que tenga información sobre sus filmes pasa por esta página le agradecería informarme.

Me parece que este cineasta es un explorador de la interioridad del ser humano y que sabe combinar con la el lenguaje cinematográfico esta búsqueda. No soy amigo de la censura, en especial por moralismos, pero en este caso no aconsejo este film para personas menores o para quienes sean muy susceptibles ante escenas crudas en el tema de la violencia.

Director: Arturo Ripstein
Productor: Miguel Necoechea, Pablo Barbachano
Guión: Paz Alicia Garciadiego
Cinematografía: Guillermo Granillo
Edición: Rafael Castañedo
|Escenografía: María Pecanins, Mónica Chirinos
Sonido: Antonio Betancourt
Música: David Mansfield
Duración: 114 min.
Reparto: Regina Orozco, Daniel Giménez Cacho, Marisa Paredes, Julieta Egurrola, Patricia Reyes Espíndola, Rosa Furman

Año 1996

THE STRAIGHT STORY

2009-12-26T20:40:00.000-08:00

Aunque hace tiempo no escribía en este blog, en realidad no es bueno dejar acabar cosas que uno comienza para que progresen… Mi idea del cine es aprender y lo aprendo abordándolo…

El film al que me refiero aquí es verdaderamente una obra maestra de lo humano, lo humano expresado por la cámara, una cámara que sigue y muestra a un hombre viejo en su cortadora de césped recorriendo con la obstinación propia de la vejez un camino hacia el encuentro con alguien que perteneció a su vida. Es verlo allí sentado casi como un niño en su triciclo, y es que como lo sabemos la vejez y la niñez se parecen: ambas etapas tienen dentro la inocente necedad que juega con lo real.

El transcurrir de este hombre, sus encuentros nocturnos al final de algunas jornadas, frente a frente con sus interlocutores sorprendidos por su aventura y quienes no les queda más que tenderle la mano y abrirle el corazón, para que pueda llegar al final de su camino.

David Lynch es un maestro del cine, en cada uno de sus films subyace algo en común: la vida del mundo aldeano, sin embargo en este film brota el manantial de lo humano, el empuje de la fuerza del alma que nos mueve el corazón…

Título: Una historia verdadera (The Straight Story)
Director: David Lynch
Música: Angelo Badalamenti
Fotografía: Freddie Francis
Guión: John Roach & Mary Sweeney basado en la historia real de Alvin Straight. (1920-1996)
Actores: Richard Farnsworth, Sissy Spacek y Harry Dean Stanton Año: 1999

Les quatre cents coups.

2009-06-14T21:55:00.000-07:00

Les quatre cents coups.

Es el drama, la tragedia de un niño seguido por la cámara. Un niño que encuentra la imposibilidad de vivir dentro de un mundo: la escuela, la familia, la calle… Muchas cosas se habrán dicho ya de este film que pervive como una leyenda real que afecta profundamente la sensibilidad del espectador sin crear escenas grotescas propias del cine comercial: son más bien los gestos, las voces, los rostros, el mundo solitario…

La cámara nos muestra elementos que tocan nuestra percepción de lo moral como una revista con la figura erótica de una mujer que pasa entre los pupitres del salón de clase, de mano en mano, de mirada en mirada hasta que el profesor descubre el juego y desde su posición de poder reprende, esta visión es una imagen clásica que desata en nuestra memoria una discordia, una discrepancia de lo moral ante el erotismo. O el beso de la madre con su amante descubierto por el infante y en el mismo momento el descubrimiento de la madre de la ausencia de la escuela de su hijo con el obligado silencio de cada uno… y así la cámara nos va llevando por los pasajes de la vida de este niño que quiere pisar, ver el mar y nuestros ojos persiguen este camino entre los golpes silenciosos de la vida… Allí en la oscuridad de nuestra silla nos sentimos inquiridos por la sutil penetración de este juego de imágenes que sacude nuestra vida… Es un cuestionamiento a lo ético desde la estética realista de las imágenes.

Este estilo de cine que pertenece a la denominada Nouvelle vague (Nueva ola) que en mi concepto constituye una auténtica evolución del cine, en cuanto se independiza de lo narrativo literario, para hacer la búsqueda de escritura con la cámara, con técnicas como cámara al hombro, escenarios reales, situaciones cotidianas conducen a este cine de autor que se apropia más de la imagen real. Lo interesante de esta escuela, en mi concepto, es el dar privilegio a la creación de la cámara. Pero a su vez este tipo de cine rompe con la tradición en lo moral, en la medida en que presenta no lo ideal y aleccionante, sino simplemente lo que sucede, sin afán de aleccionar. Bueno es un logro significativo del cine.

http://www.youtube.com/watch?v=BlHckmVjnho

EL INTENDENTE SANSHO

2009-01-22T21:45:00.001-08:00

Hacía Tiempo no escribía comentarios de películas y aunque he visto muchas, que tendré que comentar aquí, este film me ha causado gran impresión por su contenido que toca profundamente las fibras de mi aprecio por la dignidad humana, de la sensibilidad por todo aquello que hace felices o infelices a los demás. Es que a través de la historia el dominio y el avasallamiento de unos sobre otros se ha convertido en un signo fatídico de las relaciones sociales…Han cambiado las formas, pero no la esencia. Este film basado en un cuento popular es una invitación emancipadora y también una renuncia melancólica y es que en el fondo hay una tragedia de el genuino sentimiento de fraternidad a la que subyace una convicción de mantenerse en pie…

Es un film japonés clásico que te mantiene con el corazón pegado el itinerar de personajes que asumen roles que configuran una trama de oposiciones. Siempre hay en ellos una pulsación o por la vida ofrecida para ser con los otros o un impulso de dominio y de negación del otro. Aunque se remite al Siglo XII, el tiempo parece que no transcurre, parece que todo está igual que siempre… Este es el arte magistral de un cine de calidad: presentarnos en las imágenes algo del mundo, algo de nosotros en las tonalidades, en los rostros, en los gestos, en el movimiento… Si quieren por casi dos horas dejarse estremecer con sutil fuerza, miren esta película magistral.

TITULO ORIGINAL

Sansho Dayu

AÑO

1954

DURACIÓN

123 min.

Sugerir trailer/vídeo

PAÍS

DIRECTOR

Kenji Mizoguchi

GUIÓN

Yoshikata Yoda & Yahiro Fuji

MÚSICA

Fumio Hayasaka

FOTOGRAFÍA

Kazuo Miyagawa (B&W)

REPARTO

Kinuyo Tanaka, Yoshiaki Hanayaki, Kyoko Kagawa, Eitaro Shindo, Akitate Kono, Masao Shimizu, Ken Mitsuda, Kazukimi Okuni

PRODUCTORA

Daiei

EL ALMUERZO DESNUDO

2008-09-28T18:02:00.000-07:00

No he podido dejar de de escribir sobre la que me parece una magnífica película, tal vez por el sello de su director David Cronenberg, y por los elementos que allí se manejan, como también el tratamiento fílmico y escenográfico que se le da a la trama.

Basada en la novela del autor William Seward Burroughs que lleva el mismo nombre de la película pone ante los ojos del espectador el manejo de una temática múltiple como el mundo alucinado de la droga, la relación del hombre con la máquina y el homosexualismo, de un modo exquisito combinando manejo de primeros planos, planos en ambientes cerrados, elementos surrealistas tipo Kafka. El director mezcla la biografía del autor con la novela.

Es interesante ver el drama entre la máquina de escribir que se convierte en interlocutora viva que representa personajes de la vida real del autor de la novela, alcanzando un coprotagonizo indudable, para asumir también icónicamente los elementos sexuales en donde el protagonista parece que vive al asedio de su identidad. Se recurre también a la belleza masculina en los rostros límpidos y apuestos de los personajes.

Me parece que la obra (confieso no haber leído el texto) mostrada en el film nos entrega un excelente contribución para la adentrarnos en estos mundos complejos como el estado alucinado de la mente, comprensión del mundo homosexual masculino, tema tan difícil de elucidar por los indudables desajustes paradigmáticos que se presentan para el prototipo de la identidad y comportamiento sexual. Es el mundo de la interzona… Estoy retado a verla de nuevo y si me es posible leer la obra, aunque también siento una gran inquietud por explorar el cine de Cronenberg, es indudablemente un cine de imagen, de efectos, de recursos, de inteligencia no convencional.

Seguramente volveré a escribir sobre este film y sobre otras películas de este director.

Título original: Naked Lunch

· Director: David Cronenberg

· Actores: Joseph Scoren, Robert A. Silverman, Michael Zelniker, Nicholas Campbell Ver todos los actores

· Duración: 1 hora 55 minutos

· Fecha de estreno: 01/01/1991

· País: Canadá, Reino Unido, Japón

Dado que no me considero un experto y que la complejidad del film y el director exigen algo más Transcribo dos críticas…

Es Peter Weller, el toque de saxo de Ornette Coleman, ese toque de cine negro mezclado con la suciedad y repugnancia de sus criaturas mezcladas con la sutileza de símbolos fálicos o anos..etc. Es el hecho de no saber como van a responder los pintorescos personajes en un film donde, paradójicamente, lo que más interesa es la inestabilidad del guión. Hacia tiempo que no disfrutaba tanto.

Tomado de la página Linkara, escrita por Al

Comentario

El almuerzo desnudo supone un modelo más hermético, inclasificable y mucho más rico en lecturas, matices y sugerencias que la de la muy similar (mas, con todo, apreciable) Kafka, la verdad oculta. De nuevo el filme trata de analizar la agonía creativa, pero eso sí, a través del filtro de la compleja personalidad de un David Cronenberg apartado ya del cine "de género" propiamente dicho. La odisea de William Lee entre cucarachas, máquinas de escribir parlantes, los escritores Kerouac, Ginsberg y Bowles, ciempiés y homosexuales se conforma a través de una delirante imaginería muy acorde con las obsesiones del director canadiense: el paranoico sentimiento de una conspiración a través de la omnipresente figura del siniestro doctor Benway (un espléndido Roy Scheider), la metamorfosis del cuerpo como medio de pasar a un nivel diferente, a una nueva concepción de la vida, el acto literario como transformación y evocación de la experiencia propia y medio de auto-reflexión. La concepción de Cronenberg sobre la escritura es más pesimista que la de Soderbergh, pero también más lúcida e inevitable: Lee se convierte, mal que le pese, en drogadicto-escritor o escritor-drogadicto, tras haber objetivado su psicología en alucinaciones que no hacen sino materializar sus impulsos más íntimos y ocultos. Su pacto final con Benway es un pacto fáustico en el que Lee vende su alma para encontrarla: Cronenberg cierra su filme con una broma a costa de la guerra fría (esos impagables vigilantes fronterizos dignos de una serie B anti-comunista) y con una declaración de principios sobre la necesidad de la creación, su esclavitud y sus agonías. Una obra compleja, densa y fascinante.

TOMADO DE : www.pasadizo.com/peliculas2.jhtml?cod=36&sec=4

THE WALL

2008-08-10T18:47:00.000-07:00

Este extraordinario film sigue siendo actual. En lo que he podido conocer de cine es la aproximación más lúcida al manejo de lo iconográfico entrelazado con la música en una película. Me impactó especialmente porque el Jueves 7 de Agosto sentí sobre mi cabeza el macabro desfile de helicópteros de guerra y vi a los niños admirados de estos, como me pasaba a mi en la infancia, sobrecogidos y admirados…. Cuando regresé a casa tenía la intención de ver una película, pues me había quedado solo y quería un rato de cine, miré entre las películas que tenía y reencontré esta de The Wall, yo la había visto hacía muchos años y a decir ver dad no la recordaba muy bien, solo se que me había dejado una gran impresión, decidí verla…

La cinta comienza con escenas de guerra y especial en el minuto 8 un avión, en una patética escena bombardea un puesto de combate ante la mirada aterrorizada de un soldado que instantes después muere destrozado por la explosión y me dije: si les dijésemos a los niños los horrores que hacen estos aparatos!

The Wall es un film inteligente, con muchos significados por explorar: la guerra como la orgía tétrica de los conflictos, la mentira del amor conyugal, el sinsentido de la vida aplastada por el poder del sistema.

Con su tema central: Another Brick in the Wall, que nos hace mirar la educación con su poder homogenizador y alienador cuando busca el orden y el dominio de manera prioritaria y aquel sueño de fuga del muchacho que se ve envestido por su maestro. De hecho tengo como propósito hacer un análisis pormenorizado de este film, pues en nuestro país hay una ensombrecedora tendencia hacia estas opciones que muestra con angustia el Film, una versión actual la podemos encontrar en V de Venganza.

http://es.youtube.com/watch?v=M_bvT-DGcWw

The Shawshank Redemption

2008-07-27T14:24:00.000-07:00

Film entretenido y emocional que toca las fibras de la amistad y la solidaridad humanas. Los dramas carcelarios en donde se recalca la figura de la justicia errada con un condenado presumiblemente inocente en un mundo delimitado por muros con su ambiente interno tenebroso con sus peculiares leyes impuestas desde una dinámica perversa que suele sacudir nuestra sensibilidad… Sin embargo áun en medio de esta aridez lo humano se yergue con furia, como ávido de salvación en la esperanza de las aproximación solidaria con otros que tampoco han renunciado a ser … Esta es la fascinación de este film, no importa que tenga la carga por momentos de la dulzonería hollywollesca y el sello de Stephen King (la película está basada en un escrito suyo), pues los actores y su actuación son loables y seguro levantan solidaridades.

Interesante el recurso del tiempo logrado a través de los íconos de Rita Hayworth, Marilyn Monroe y Raquel Welch para significar cambio de épocas en el mudo tiempo del encierro, con los afiches de sus cuerpos pegados en la pared de una celda como tratando de ser cómplices de la fuga de una cruel realidad de encierro y anquilosamiento.

La mente humana luchando por crear mundos, por recuperar posibilidades perdidas, el enajenamiento del mundo externo con el paso demoledor del tiempo hasta el punto de hacerse parte de este mundo y apropiarlo para ser de él.

Pienso que en las cárceles no solo están encerrados los seres humanos, sino también la justicia, pues están signadas por la renuncia y la incapacidad de esta (de la justicia) para superar las transgresiones, allí llegan culpables e inocentes para sucumbir en su letal juego, son, alegóricamente, como tumbas para morir en vida.

Me impactó mucho la actuación de Freeman Morgan, en el papel de coprotagonista como Free, su rostro apacible le da este toque que contextualiza la calidez de lo humano al lado de la dureza y la abyecta brutalidad de guardias y prisioneros.

Una curiosidad: No hay actrices, como actores directos las mujeres no figuran, pero como íconos resultan esenciales…

Para la realidad de nuestro país allí aparece un personaje muy similar a cierto gobernante, creo que por una lógica casualidad se homologan en varios aspectos…que tienen que ver con una seguridad muy profunda...

TITULO: The Shawshank Redemption

AÑO: 1994

DURACIÓN : 142 min.

PAÍS: EE. UU

DIRECTOR Frank Darabont

GUIÓN Frank Darabont (Relato: Stephen King)

MÚSICA Thomas Newman

FOTOGRAFÍA Roger Deakins

REPARTO Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, James Whitmore, Gil Bellows, William Sadler, Mark Rolston, Clancy Brown

VISTAZOS AL SENTIDO DEL CINE

2008-07-25T23:10:00.000-07:00

"El cine es una versión de la vida. Como otros medios e instancias, el cine es un productor de sentido. Revela o encubre, pero su acción siempre es producir sentido. Los académicos y la industria cinematográfica han intentado determinar los tipos de cine, ya sea por género, por época, por origen, por intención, por contenido, por ideología, por raza, por religión, etcétera. Los tipos cinematográficos son definiciones que simulan la existencia de un orden en la producción de sentido: el cine de acción, documental, fantástico, negro, de comedia, musical, propagandístico. Como ocurre con la mayoría de los esfuerzos taxonómicos en el terreno de las artes y las humanidades, los géneros son pálidas referencias que, sin embargo, delatan la evidente afinidad del cine con eso que llamamos vida y que, cuando intentamos definir, se descompone en muchas, infinitas interpretaciones.

El recuerdo de las primeras exhibiciones trae a cuenta el extrañamiento de los espectadores: lo que vieron sus ojos les pareció algo real. Quizás por ello se cuenta que los atemorizó la imagen del tren aproximándose. La diferencia entre la representación y la realidad era, para aquellos noveles ojos, nula. Y el encanto que suscitaron las imágenes de las películas de Melies tuvo su origen en la ilusión de que aquello que veían era, en efecto, real. El cine snuff comparte con el cine documental (o noticioso, que va desde Dziga Vertov a Michael Moore) la condición de veracidad de lo mostrado; el cine invadido de efectos especiales es una muy elaborada metáfora de la vida vista a través de la imaginación."
TOMADO DE : revista.unam.mx
Revista Digital Universitaria
10 de septiembre de 2006 Vol.7, No.9 ISSN: 1607 - 6079
Publicación mensual

"El cine es un arte que se construye automáticamente con la realidad. Si se afirma que el cine fue inventado en 1895 por los hermanos Lumière y no tres meses antes por los hermanos Skladanowsky es debido a que éstos filman teatro frente a los Lumière que filman la salida de una fábrica o la llegada de un tren a la estación.
. En 1900 se pensaba que el cine se convertiría en un arte si se filmaban objetos artísticos. Ahora se piensa que los Lumière inventaron el cine como arte, eligiendo la salida de una fábrica o la llegada de un tren; o se piensa que la fotografía se convirtió en arte cuando los retratos frontales de Paul Strand rompieron con la imitación pictorialista de los efectos pictóricos, porque la ausencia de arte se ha convertido para nosotros contemporáneos en un componente esencial del arte. La fotografía y el cine han hecho más rápidamente el camino recorrido por las otras artes, el camino en el que éstas descubrieron que lo que califica a un arte como tal no es tratar de asuntos nobles sino relacionarse con lo cotidiano y con la impureza. Añadiría que el cine es un atajo extraordinario de un recorrido, de una negociación de la relación ente el arte y sus temas-sujeto, que en las artes anteriores se realizó durante un tiempo mucho mayor. Esto ofrece tanto una visibilidad como una banalidad que tiende a enmascarar el carácter general de esta negociación del arte con la realidad, entendida como lo que es contrario al arte."

TOMADO DE: ZINEMA- EL DESTINO DEL CINE Entrevista a Jacques Rancière con motivo de la publicación de “Malestar en la estética”

UN TIGRE DE PAPEL

2008-07-08T21:27:00.000-07:00

Película Colombiana de género documental, muy interesante sobre un desconocido personaje colombiano: Pedro Manrique Figueroa que constituye con su misma vida un verdadero collage. Este collage en el que lo político juega un papel protagonista, nos lanza a mirar cuadros de nuestra historia de una forma alternativa y que al tiempo que nos permite recordar, reconocer, evocar e identificarnos con sueños, búsquedas y utopías, nos abre ventanas a otras configuraciones sobre lo que puede ser la comprensión de estos asuntos. Esta historia narrada a través de la vida del desconocido personaje-artista, muestra a un ser que conflictua con las ortodoxias de su tiempo y como si el director nos quisiera presentar a través de yuxtaposiciones insólitas una visión de la realidad no ortodoxa, ni identificada plenamente con una determinada mentalidad.

Film hecho a través de entrevistas ágiles, plásticas e inteligentes que van creando una narración de la vida del personaje y al tiempo desentrañando en su obra una época. Una buena y pedagógica forma para leer historia. Como buena película no apta para todo tipo de público (bueno ningún film lo es), tal ves le llegue y le genere empatía a quienes o hemos vivido algo de esa historia, pues sabemos de que habla, o de quienes por su cultura o motivaciones personales se aproximen o quieran aproximarse a esta.

Abarca el periodo de 1948 a 1982, centrándose más en la izquierda y los movimientos juveniles con sus avatares. Después de ver este film queda una inquietud, una reflexión sobre tantas búsquedas de aquellas décadas de construcción de sueños y alternativas que hoy se encuentran desgraciadamente sumidas en un profundo letargo y anonadamiento en nuestro país, un país sin ideales alternos, un país plano y con una aplanadora homogenizante que deja un paisaje desértico, árido y vacuo.

El cine, el arte, la literatura pueden expresar un sentido, dudas, incursiones y ante todo rupturas en quienes transitamos sus caminos, en el caso del cine, si es como lo transcribo en el ítem de “Elucubraciones” de este Blog, un cine “crítico-expresivo”, nos sacude. Quizá los cinéfilos con esta predilección nos parezcamos a quienes gustan de los deportes extremos, cundo se siente este vértigo de las rupturas, aunque simultáneamente el goce por el descubrimiento…

Ver esta película implica descubrir, redescubrir y configurar búsquedas…

Nombre: Un tigre de papel Categorías: Política, Documental, Fantasía, Basado en hechos reales, Comedia dramática, Road movie, Cine colombiano Director: Luis Ospina Año: 2007

A continuación cito Declaraciones del autor encontradas en: www.ochoymedio.info/review

“Nostalgia

Un tigre de papel es sobre todo una película nostálgica. «Yo quería hacer una biografía de mi generación,» nos contó Ospina al cierre de la proyección. «Yo quería utilizar este personaje creado por Lucas Ospina, François Bucher, Bernardo Ortiz y Carolina Sanín para contar una historia de muchos.» La historia de un fracaso, yo añadiría. O de la decepción. O de la aceptación de esa decepción.

Por eso son los amigos de Ospina los encargados de contar la historia de Manrique Figueroa. Por eso hablan Mayolo y Alape y Osorio y hasta Andrés Caicedo, veladamente y desde ultratumba, y luego (como todos) mueren. Yo le dije a Ospina que Arturo Alape había resultado un actor muy convincente. Ospina me respondió que Alape no era un actor, que no estaba actuando, que todos ellos estaban hablando de alguien, alguien que cambiaba de nombre, de cara, de vida, pero que era siempre el mismo. Ninguno mentía. “

FICHA TÉCNICA
Director: Luis Ospina
Guión: Luis Ospina basado en una idea de Lucas Ospina, François Bucher y Bernardo Ortiz, con la colaboración de Carolina Sanín
Montaje: Rubén Mendoza / Luis Ospina
Música: “En el segundo tono” de Guillermo Gaviria interpretada por la Orquesta Sinfónica de Colombia bajo la dirección de Federico García Vigil Cámara y sonido: Luis Ospina
Cámara adicional: Miguel Salazar / Rodrigo Lalinde
Graficación y Efectos: Rubén Mendoza
Textos leídos por Natalia Iartovsky, Jacques Marchal, Luo Huiling
Reparto: Jaime Osorio, Carlos Mayolo, Arturo Alape, Joe Broderick, Jotamario Arbeláez, Vicky Hernández, Juan José Vejarano, Tania Moreno, Beatriz González, Santiago García, Umberto Giangrandi, Jorge Masetti, Krishna Candeth, Rolando Peña, Carlos Castillo
Productores Asociados: Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano (Bogotá), Miguel Salazar (Nueva York, Ucrania, Amazonas), Andrés Mora (China), Rodrigo Lalinde, (Rumania), Karen Lamassonne (Atlanta)
Postproducción: Efe-X
Producción: Luis Ospina, Congo Films, Efe-X
Duración: 114 min.
País: Colombia
Año: 2007

Fuente www.fotografiacolombiana.com/article.php?op=Print&sid=751

Pedro Manrique Figueroa es una extraña y compleja criatura, mezcla de un militante maoísta y de un artista moderno, salida de uno de esos oscuros laboratorios (por aquello del cine y el teatro... no me malinterpreten) donde se deseó crear a imagen y semejanza, esos famosos monstruos, como Frankenstein. Ahora nadie parece negar que él es el resultado del más ingenioso laboratorio familiar, nacido quizá en una noche de luna llena o entre el bullicio de una corrida de toros. Ahora, se le erigen efigies, se le rinde homenajes, se le hace retrospectivas insolentes, se le cita aquí y allí, se le ha hecho un lugar en EL Tiempo y el Espacio y, le hacen películas, como para no olvidar que el mundo del arte es una verdadera comedia. Todos parecen haberle conocido, todos le odiaron en un momento, como lo demuestra esa entrevista concedida en vida, pero nunca publicada por la crítica de arte de moda en el país, por aquella época, Marta Traba.

Fuente: criticosvistazos.blogspot.com

ARTE Y CINE

2008-06-24T22:41:00.001-07:00

Esta pintura de Caravaggio llamada "Muchacho mordido por lagarto" (1.594), según algún analista es la primera pintura que expresa movimiento como tal, pues vemos al muchacho justo en el momento que retira la mano y expresa el dolor...Precursora en alguna forma del cine? Bueno, son pequeños datos...

NOTICIAS

2008-06-17T08:42:00.000-07:00

Esta nueva modalidad ha comenzado a abrirse paso en las ficciones posibles, veanla...

Con el apoyo de Intel y otras empresas de tecnología, llega a Colombia Cybercinema, un novedoso concepto que pone al alcance de todos, la magia del cine a través de un proceso digital de última generación.

Intel® Core™2 Duo hace posible que Cybercinema cuente con un alto desempeño, una increíble capacidad de respuesta y un inigualable consumo eficaz de energía, con lo cual los colombianos podrán protagonizar y vivir historias de aventura, acción, comedia, romance, ciencia ficción y suspenso, entre otros géneros, teniendo la posibilidad de interactuar con escenas virtuales.

Ver nota completa »

LA CHIAVE

2008-06-16T12:38:00.000-07:00

La chiave

El film “La Llave” producida por Tinto Brass y basada en la novela "Kagi", del premio nobel japonés Junichirô Tanizaki, plantea la trama del juego erótico de una pareja algo veterana (celebran sus 20 años), inmerso en la Italia de comienzos del fascismo y los días anteriores a la guerra, en el ambiente de la gran sociedad que rodea al ducce, en donde esta pareja protagonizará los avatares de su intimidad que se sacude por las características contrastadas del sentimiento erótico de cada uno de ellos, pero también con lugares comunes…y la necesidad de encontrar un equilibrio tal vez imposible; allí participan de manera complementaria y accidental la hija de estos y su novio, pues este último resultará implicado en los vaivenes y circunstancias de la experiencia erótica de la pareja que termina inmiscuyéndolo en sus vivencias y relaciones… mientras la hija toma un papel no tan convencional, ni proclive al escándalo…

Es el juego de intimidades en conflicto, en que cada actor asume su papel para producir este drama matizado de cierto silencio, de angustia y de pasión tormentosa. Pasión desquiciada, pero que emerge a través de planos y secuencias que alejan a la historia de la pueril y lo grotesco, en mi concepto. Ambiente oscuro propio de la intimidad y de lo erótico, colores rojos, luces potentes en las escenas que buscan destacar el cuerpo desnudo de Teresa o con un traje que se levanta y le descubre en forma fugaz, o de su esposo o su amante. Es interesante el proceso que sufre Teresa a través de la cinta: una mujer en principio con un gran recato por su desnudez y un esposo que busca su cuerpo desnudo con avidez, ella irá dejando a un lado su recato y su pasión se extenderá más allá de su pareja y a su vez su esposo encontrará en esta situación un medio para satisfacer su desbordada y extraña pasión.

Los diarios son otro elemento interesante de la trama pues en ellos cada uno revela sus secretos, con la intención de que el otro los conozca, hablar a través de estos de lo que no se atreven a decir: su lectura por parte de los personajes en momentos ubicados con cierta regularidad va haciendo que se produzca el suspenso, van descubriendo su vida ante el otro, allí la hija entrará como lectora insólita de estos diarios.

La musicalización se compone de pasajes acompañados de piezas clásicas solemnes y en otros momentos, cuando hay escenas eróticas con un toque picaresco que indudablemente le dan el debido ritmo al film. En realidad la musicalización está a cargo del gran director Ennio Morricone.

Como se dijo al comienzo, de trasfondo el fascismo, como si todos los desquiciamientos de los protagonistas hablaran entre líneas de los desquiciamientos del fascismo. No se…

Es en medio de esta orquestación de elementos en donde el espectador se duele, se fascina pues lo erótico está bien presentado, es insinuante y provocador.

Se puede decir que los senderos del erotismo pasan por las facetas de la vida en donde hallan lugares a veces escabrosos, pero que a pesar de todo se recorren con placer, tal vez porque en realidad lo dionisiaco sea más fuerte que lo apolíneo…Es tan inusitado como si en algún momento hundiéramos la mano en el agua y sintiéramos su fuerza, dejando que nos salpique, mientras nuestra imaginación transformara estas sensaciones en escenas eróticas al margen de la experiencia real que estemos viviendo. Si ven la cinta (o la han visto) lo comprenderán…

DATOS DE LA PELICULA:

Año:1983
Titulo Original: LA CHIAVE

Género: Drama, Erótica
Actores: Frank Finlay, Stefania Sandrelli, Franco Branciaroli, Barbara Cupisti, Armando Marra, Maria Grazia Bon, Gino Cavalieri, Piero Bortoluzzi, Pietro Lorenzoni, Irma Veithen, Eolo Capritti, Maria Pia Colonnello, Milly Corinaldi, Edgardo Fugagnoli, Luciano Gasper
Director: Tinto Brass
Música: Ennio Morricone
Escrita por: Junichirô Tanizaki, Tinto Brass
Fotografía: Silvano Ippoliti
Producida por: Giovanni Bertolucci
Duración aprox.: 110 min.

Para muchos la mejor película de Tinto Brass
Distr.: Filmax

Algunos datos del escritor en cuya obra está basada la película:

Junichirô Tanizaki

Novelista japonés. Casi toda la ficción de Tanizaki trata del conflicto entre los valores tradicionales y las ideas modernas del amor y la belleza. Sus primeros relatos cortos, entre los que se encuentra El tatuador (1910), muestran la influencia de los simbolistas franceses y del escritor estadounidense Edgar Allan Poe. Hay quien prefiere las ortigas (1929), considerada una de sus mejores novelas, describe una relación marital desgraciada dentro de los valores culturales cambiantes de Japón, un tema en el que insiste magistralmente en el Elogio de la sombra (1933). La novela Las hermanas Makioka (1943-1948) también trata sobre la invasión de la vida moderna en los valores tradicionales. Su obra posterior a la II Guerra Mundial, por ejemplo La nieve tenue (1947), novela de 1.400 páginas, La llave (1956) o Diario de un loco (1961-1962), señala una vuelta al erotismo de sus comienzos. Tanizaki escribió, en 1934, un influyente manual de estilo literario. © eMe

Películas más valoradas de Tinto Brass

UNA FOTOGRAFIA DE LA PROTAGONISTA EN SUS AÑOS DE JUVENTUD...

ELUCUBRACIONES

2008-06-13T10:07:00.000-07:00

"Si el cine denominado correctamente "espectáculo" estimula la identificación pasiva y casi el estupor mágico del espectador, el cine crítico expresivo, por el contario, desearía llevar al espectador a profundizar y a elaborar críticamente el fluir de las imágenes que pasan ante sus ojos... En el cine...conviven ambas tendencias."

"...la técnica del cine ayuda a acelerar las metamorfosis del mundo de la experiencia en una sucesión de imágenes oníricas."
"Si el cine espectáculo perfecciona el encanto de la representación, el cine crítico-expresivo intenta elaborar las imágenes del sueño, que constituyen casi la materia prima del lenguaje cinematográfico."
En el cine espectáculo la artificialidad de las imágenes se oculta tod9o lo posible..."El cine cr´tico expresivo intenta llevar a primer plano la construcción no espontánea de las imágenes y evidenciará su ser de apariencia"
Según el autor de este texto que vengo citando, El Resplandor de Kubrick "es una profunda reflexión sobre la naturaleza de la imagen cinematográfica y fotográfica","cumplimos un enfrentamiento y un duelo con los fantasmas que nos agreden a través de la pantalla y deseamos huir".
(Estética del cine- Mario Pezzela- pp11-12, 20,48,49 La Balsa de la Medusa 2004)

Oldeuboi - Oldboy

2008-06-02T16:51:00.000-07:00

Oldeuboi - Oldboy

La cinta Old Boy la puedo denominar como el dolor hecho pasión y es que es así como la he sentido, es una historia que del suspenso pasa a la conmoción interna por el drama humano que sacude con una violencia demoledora nuestro interior, hasta hacernos pasar de este umbral de lo insoportable a lo absurdamente conmovedor, de manera que los presupuestos de lo moral se hacen vacilantes, hasta perderse en la penumbra de la duda, de la inconsistencia: a quien querer? A quien odiar? Esta es la fábula de un cine hecho con maestría que con su ficción sacude realmente el alma y nos puede hacer dudar del mundo preconcebido (también lo hace así la literatura y el arte en general).

El cine asiático parece tener esta cualidad, de sumergirnos y elevarnos a través de la violencia, revelador de la estremecedora angustia que guarda la vida de cada ser humano. En realidad como lo expresé al comienzo del comentario, la historia aparece dentro de un contexto de suspenso algo policiaco, para tornarse en un drama irreversiblemente humano.

En realidad no hay héroes, ni derrotados, sino algunos sobrevivientes. Uno de ellos renunciando a la memoria y otro ignorando la esencia de la tragedia, para así abrazar la felicidad, esta es tal vez la psicología de la vida con la cual se mengua el sufrimiento y es que acordándome de Lolita parece que las fórmulas de la vida, que los credos y la moral establecen, con frecuencia son sobrepasadas por la realidad: las pasiones son el fantasma de la medianoche que huye con la luz del día (la moral?), pero que duermen o fingen dormir en este subconsciente freudiano creando pulsiones continuas…

Es necesario aludir a la musicalización del film, porque con su solemnidad mitiga y remonta el insoportable dolor de su tragedia.

Bueno véanla…

AGUNOS DATOS...

Dirige Park Chan-wook (Corea del Sur, 1963), licenciado en Filosofía por la Universidad de Sogang e interesado siempre por el cine de arte y ensayo o de culto. Su filmografía incluye Zona conjunta de seguridad (2000) y Compasión por Mr. Venganza (2002).

Está protagonizada por Choi Min-Sik, que entrenó a lo largo de seis semanas para preparar el papel, perder varios kilos de peso, y ser su propio especialista.

El guión es se inspira en el manga homónimo de Tsuchiya Garon y Minegishi Nobuaki.

El director Bong Joon-ho (Memories of murder) le recomendó el manga al Park Chan-wook. Al igual que su anterior largo, la película habla de la venganza y reconoce que es posible que ambas cintas se parezcan en cierto sentido, aunque quería enseñar otra perspectiva de la venganza con Old Boy, concretamente el lado positivo, para que el espectador sienta la catarsis del acto vengador.

Está producida por Show East con la participación de Egg Film.

Consiguió el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes 2004 y el correspondiente a mejor película y el de la crítica en el Festival de Cine de Sitges.

En una de las escenas se comieron ocho pulpos vivos, un plato típico en Corea, lo que provocó cierta controversia en algunos países. El director, cuando recibió el premio en el Festival de Cine de Cannes 2004, agradeció al equipo y a los pulpos el haber conseguido el galardón.

ALL ABOUT EVE

2008-05-26T21:12:00.001-07:00

All About Eve

Definitivamente el buen cine es como un plato exquisito. Esta película de Joseph L. Mankiewicz me ha parecido así: exquisita, con unas actuaciones magistrales de estrellas del cine de Hollywood de los años 50.

Es un drama alrededor de la vida de una actriz, quien con su sagacidad y fantasía logra, como ella misma lo dice a través de la película, convertir la realidad en sus fantasías. Envuelta en un halo misterioso aparece en la historia como admiradora de una estrella del teatro a quien busca con cierta obsesión hasta llegar a conocerla, y a través de la comovedora historia de su vida, cautivarla a ella y a su grupo de amigos y conseguir ser involucrada en la vida de la estrella y de sus amigos, e ir logrando con sus ficciones, su astucia y su talento, convertirse en una gran actriz de teatro…

Vale la pena verla y dejarse llevar por el drama de estos diálogos en donde surgen pasiones, intrigas, celos, engaños a través de la trama que en todo momento mantiene en vilo al espectador al vaivén de los giros sorpresivos que toma la historia, que además arrancan admiración por la forma como los actores encarnan los papeles, de manera que impulsan nuestros sueños de éxito y grandeza, nos hacen pensar por momentos que la vida pueda convertirse en esta confabulación astuta y genial para llegar al triunfo, pero también con la cortapisa del escrúpulo ético que nos hace decir no en el silencio de nuestra actuación pasiva como espectadores. De alguna forma nos crea un drama interno y nos dice que aquello no se produce solo en Hollywood...

El blanco y negro le da ese toque de cine negro, en donde la intriga y los enigmas crean una atmósfera de suspenso dramático. Son muy intensos los diálogos, pareciéndose en esto al teatro (que es precisamente la historia que evoca), asumido en especial por un grupo 6 actores cuya protagonista es Eva. Buena por el cine clásico!

COMPLEMENTO INFORMACION TOMADA DE OTRAS FUENTES:

Obra maestra sobre el mundo del teatro de Broadway. Sus 14 nominaciones a los Premios de la Academia de Hollywood marcaron un récord que hasta la fecha tan sólo ha podido ser igualado -por "Titanic"-. Ganó seis Oscar. (FILMAFFINITY

Bette Davis interpreta a Margo Channing, actriz de Broadway, y Anne Baxter interpreta a Eva Harrington, una joven admiradora que aparece en la vida de Channing, amenazando su carrera artística y su vida personal. Gary Merrill, George Sanders, Hugh Marlowe, Celeste Holm y Thelma Ritter también aparecen en la película. La película representa una de las primeras apariciones importantes de Marilyn Monroe.

La película fue candidata en 14 categorías a los Premios Oscar, ganando 6 premios, incluyendo el de Mejor película. También ha sido seleccionada para conservación por el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos.

TITULO ORIGINAL All About Eve

AÑO 1950

DURACIÓN

138 min

PAÍS EEUU DIRECTOR Joseph L. Mankiewicz GUIÓN Joseph L. Mankiewicz MÚSICA Alfred Newman FOTOGRAFÍA Milton Krasner (B&W) REPARTO Bette Davis, Anne Baxter, George Sanders, Celeste Holm, Gary Merrill, Thelma Ritter, Marilyn Monroe PRODUCTORA 20th Century Fox. Productor: Darryl F. Zanuck

Actriz de una década

Actrices como Anne Baxter son actrices de una generación, de una década. La suya, los años cuarenta preferiblemente, donde despuntó en varios títulos que siguen perviviendo en muchos casos en el más sólido de los recuerdos: Aguas pantanosas, de Jean Renoir; El cuarto mandamiento, de Orson Welles, segunda película del director y un monumento de los que hacen, han hecho ya, historia; El filo de la navaja, de Edinund Goulding, adaptación de la novela homónima de William Somerset Maugham, donde, en un auténticamente memorable papel de mujer destrozada por amor y por alcohol, mujer patética, se alzó con el premio de la Academia, el oscar; Cielo amarillo, de William A. Wellman, western mineral y adusto, dura prueba para una actriz interpuesta entre los encantos naturales de Gregory Peck y la pérfida sonrisa del siempre excelente Richard Widinark, y, entre otras, pero sobre todas, Eva al desnudo, de Joseph L. Mankiewicz.

13/12/1985

ONCE UPON A TIME IN THE WEST

2008-05-23T23:08:00.000-07:00

He visto esta excelente película del género oeste que nos evoca los años 60. Con una combinación magistral del paisaje desértico, la dureza de los protagonistas que compagina con el paisaje árido y a la vez resplandeciendente de luz y matizado de colores vivos que se mueven con intersticios de música solemne o pausada.

El film se desenvuelve dentro de un lento y palpitante suspenso que nos mueve a buscar un porqué, una identidad del protagonista (Charles Bronson) cuya semblanza se traza a través de un toque acompasado de armónica, una expresión facial en donde emanan destellos de lo apacible e impasible, lo autosuficiente, lo enigmático y un rastro de dolor y rabia cuasi imperceptibles, cuasi evidentes es este ser cautivante que atrae al espectador masculino o femenino.

En otro de los ángulos aparece la señora McBain (la legendaria Claudia Cardinale) haciendo un contraste dulce y ensoñador de aquella figura femenina que levanta los sueños eróticos del espectador en forma sosegada y se coloca como un cuadro permanente de trasfondo que enmarcará continuamente la película. Es la figura de una mujer de una belleza delicada, un rostro de expresión hermética que en todo caso deja la impresión de seguridad y decisión, esta magistral combinación de rasgos que impresionan en un a actriz con talento dan como resultando la mirada cautiva del espectador, sin embargo esta figura femenina sucumbe ante la fortaleza varonil, no es en modo alguno la heroína que se enfrenta frente a frente, sino que domina con su debilidad.

Un tercer personaje hace el papel del transgresor que lleva dentro dulzura, que se alía con quien sufre, porque tiene sus parámetros, su equilibrio, no hay posibilidad para la crueldad sin límites: es Cheyenne (Jason Robards). Por eso en su rostro aparece la rudeza y la dulzura y logra la adhesión afectiva del espectador y se convierte en una especia de héroe malvado.

Finalmente están dos personajes que se ubican en la personificación de lo obscuro: un potentado que se enmarca tanto por su limitación física, como por su limitación personal, se esconde tras su dinero y allí hace una necesaria pareja con quien personifica la crueldad ilimitada y se encarga de suscitar odios, aversiones y cuyo destino inexorable es la muerte: Frank (Henry Fonda- imagen anterior).

El escenario como ya se dijo es el desierto, este desierto con montañas silenciosas de donde surgen como de la nada aves cuya vida a veces es segada por las heridas de las armas. Silencio de un desierto roto por el estallido de disparos y por el pito del tren que por momentos se convierte en un sonido sublime y ensordecedor que convierte la trama en una especie concierto estremecedor. Y con una suavidad infinita la armónica del protagonista que arrulla, que sosiega que constriñe…

Otros rasgos interesantes de la cinta son los momentos picarescos evocados por la música, el enfoque de los rostros cuyas semblanzas son la huella de la dureza, del sol inclemente del desierto. Con un final magistral que cierra una historia de dolor y de gloria.

Otro aspecto importante como se leerá en el comentario especializado que anexo es la influencia de Akira Kurosawa en Sergio Leone y la transformación que con este film hizo Leone de los films del oeste, tal vez porque le rompe el sello Hollywood.

Bueno film para ver varias veces, eso si con buen volumen (conectar a equipo dé sonido o teatro en casa, buena oscuridad…

La música es del gran director Ennio Morricone quien de pequeño fue compañero de colegio de Sergio Leone con el que más tarde colaboró en casi todas sus películas hasta la muerte de éste. con un historial como su colaboración con grandes directores como Pier Paolo Passolini, Bernardo bertolucci, Gillo Pontecorvo, Brian de Palma, Marco Belocchio o incluso Pedro Almodovar con Atame

Es uno de los más conocidos de los compositores cinematográficos, gracias sobretodo a la música de los "spaghetti westwern, pero también gracias a las bellas melodías de Días de Cielo, La MIsión o Cinema Paradiso.

También ha compuesto obras para series de televisión; entre las más conocidas están El secreto del Sahara, La Piovra, Marco Polo o Moisés.

Compuso la marcha de la Copa Mundial de FIFA Argentina 1978.

Ficha técnica

Dirección: Sergio Leone

Producción Fulvio Morsella

Guión Sergio Donati
Sergio Leone
Luciano Vincenzoni

Música Ennio Morricone

Reparto Charles Bronson: Armónica
Henry Fonda: Frank
Jason Robards: Cheyenne
Claudia Cardinale: Jill
Gabriele Ferzetti: Morton

Datos y cifras

País(es) Italia
Estados Unidos
España Año 1968 Género Western Duración 159 minutos

Compañías

Productora Paramount Pictures Presupuesto 5,000,000 $

Ficha en IMDb

EL COCINERO, EL LADRON, SU MUJER Y EL AMANTE

2008-05-23T22:41:00.000-07:00

Qué Buena película: hay arte, hay ingenio, hay innovación. Si el desenlace es irónico, también es cierto que allí se vive una experiencia erótica transitoriamente feliz, la transitoriedad del amor imposible y apasionado. Los escenarios están llenos de exquisitez, de una solemnidad rasgada por lo grotesco de los personajes, con una música de fondo que logra llevar el drama de forma pausada y a la vez violenta.

Una linda mujer como protagonista, misteriosa y apasionada, esclava y sublevada y su amante un hombre discreto y tranquilo… Mientras su esposo, un maldito truhan que al espectador enerva y consigue su odio. Un cocinero exquisito, impenetrable, un muchacho que inspira ternura por su estado indefenso e inocente, todos estos personajes producen una combinación dramética que mantiene la tensión hasta el último momento…

Peter Greenaway (5 de abril de 1942), es hoy un reconocido director de cine inglés, cuya formación se dio en las artes plásticas, específicamente en la pintura. Prototipo del cineasta-artista europeo, totalmente alejado de los supuestos de cine comercial actual. Greenaway se ha mantenido escéptico acerca de las restrictivas fronteras del cine, se puede decir que sus películas no intentan mantener vigentes las características tradicionales del cine. Sus films se destacan dentro de la producción general de la "industria". Algunos críticos han definido su producción como anticine y ni siquiera lo consideran cineasta, seguramente Greenaway no estará en desacuerdo con esto ya que mantiene siempre una actitud inquieta con respecto a las inhabilidades del cine: no hay tacto, no hay olor, no hay temperatura, corta duración, audiencias pasivas y sedentarias, no existe el diálogo con la audiencia, sobrecarga de especificaciones técnicas limitadas a la composición de cada cuadro de la película, visibilidad desde una determinada dirección. Desmedida búsqueda de la realidad, sets temporales, actores educados para pretender actuar, ilusiones planas, poca compresión de la pantalla como pantalla. Intereses comerciales omnipotentes. Son todas estas algunas de las tiranías a las que se enfrenta Greenaway en su cine, el cuadro, el actor, el texto y, la más molesta de todas, la tiranía de la cámara.

La lista de desencantos es larga. Sin embargo, él no está solo en sus opiniones, su estrategia actual es investigar y cambiar estas limitaciones y para ello invierte mucho tiempo en actividades diferentes al cine, con el ánimo de llevar dichas actividades hacia el cine con la esperanza de reinventarlo. Algo que se hace cada vez más difícil, pero mucho más necesario. Un medio sin una reinvención constante está condenado a morir. Muchos dicen que hoy no hay grandes inventores en el cine, se han ido a otros lugares, tal vez están haciendo lo correcto.

Helen Mirren (1946- ), actriz británica que ha compaginado una larga carrera en el teatro clásico con numerosas intervenciones en el cine y en la televisión.

Su primer trabajo como actriz fue en el National Youth Theatre, antes de incorporarse en 1967 a la Royal Shakespeare Company (RSC), compañía con la que permaneció hasta 1975. Su capacidad como profesional, su sensibilidad y su inteligencia como actriz le han proporcionado grandes éxitos de crítica, en especial en los papeles clásicos, como Ofelia en Hamlet (c. 1601, de William Shakespeare, en 1970), lady Macbeth en Macbeth (c. 1606, de Shakespeare, en 1974), La duquesa de Malfi (c. 1614, de John Webster, en 1980) y Un mes en el campo (1855, de Iván Turguéniev, en 1994). Tampoco ha rehuido obras de autores contemporáneos como David Hare y Stephen Poliakoff.

En los últimos años, sus interpretaciones teatrales han disminuido a la par que ha ascendido su popularidad por su intervención en series de televisión y en el cine. Ejemplo de ello es su participación en las películas El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1989), del director británico Peter Greenaway; La locura del rey Jorge (1994, de Nicolas Hytner), por la que recibió en 1995 el premio a la mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de Cannes; Last Orders (2001, junto a Bob Hoskins y Michael Caine); Las chicas del calendario (2003, de Nigel Cole); La sombra de un secuestro (2004, de Pieter Jan Brugge), junto a Robert Redford, y Shadowboxer (2005, de Lee Daniels). En 2007 obtuvo el Oscar de la Academia a la mejor actriz por su papel protagonista en The Queen (2006, de Stephen Frears), trabajo por el que consiguió otros galardones, como la copa Volpi del Festival de Venecia de 2006 y, al año siguiente, el Globo de Oro a la mejor actriz dramática en la categoría de cine.

Véanla!

DOLLS

2008-05-16T23:26:00.000-07:00

Acabo de ver la película Dolls y me ha parecido otra de esas producciones cautivantes e impactantes tanto a los sentidos como al pensamiento. La película, para mi, es una melodía que envuelve lo bello, lo sublime y lo trágico. Es la reproducción de la inevitable tragedia de la vida humana que en su transcurrir no puede encontrar la felicidad, al tiempo que se aferra a su búsqueda de amor, de encuentro con algo y con alguien que siempre se nos escapa o que para tenerlo nos impone el dolor. Si, estas muñecas de esta obra de teatro que sirve de preludio a la película se perpetuán en su drama, no importan los cambios de forma de nuestra vida, en múltiples historias en donde el sufrimiento puede venir por la traición, el azar, el crimen, pero en todo caso está ahí.

En su forma la cinta se maneja en la exquisitez de escenas y color, con el trasfondo del silencio y/o la música dentro de un paisaje que va de lo urbano a lo bucólico, de manera que las escenas de dolor se menguan con la solemnidad del paisaje. Los actores no precisan de hablar demasiado para expresar su drama, los rostros, las miradas, los cuerpos nos hablan permanentemente y se sumergen en nuestro interior desatando sentimientos de angustia y placer.

Que bueno este cine lejano de la idiotez de Hollywood…El cine hay que aprender a mirarlo, desacostumbrarse de los condicionamientos culturales y psicológicos que nos colocaron para valorar las cosas, a medida que vemos este tipo de cine, leemos una literatura de calidad, apreciamos el arte de calidad, aprendemos a ver la vida, a pensarla desde otras perspectivas, se entra en el terreno de loalternativo.

Bueno se me acaba el parlamento…

Año de producción: 2002
Dirección: Takeshi Kitano
Intérpretes: Miho Kanno, Hidetoshi Nishijima, Tatsuya Mihashi, Chieko Matsubara, Kyôko Fukada.
Guión: Takeshi Kitano
Música: Joe Hisaishi
Fotografía: Katsumi Yanagishima
Distribuye en DVD: DeAPlaneta
Duración: 113 min.
Público apropiado: Jóvenes-adultos
Género: Drama

THE HUNGER

2008-05-16T22:50:00.000-07:00

He visto la película EL ANSIA producida en 1983 dirigida por Tony Scott , y protagonizada por Catherine Deneuve, Susan Sarandon y David Bowie y la he encontrado muy llamativa, especialmente por el manejo estético de la misma y la forma pausada y cuidadosa con la que se desenvuelve, sin causar saturación o cansancio y lograr mantener la expectativa. Se trata de una bella vampiro (Catherine Deneuve) que seduce a amantes de ambos sexos y quienes quedan (como es usual en esta temática) signados como servidores y amantes suyos, pero con el grave problema del envejecimiento acelerado e indetenible y su reducción a cenizas, aunque con el alma inmortal, ella les lleva al ático en donde les mantiene en féretros.

Es original en cuanto a la modernización un tanto del tema que en algún momento establece una relación con la ciencia ficción en lo relativo al envejecimiento de los seres vivos y humanos por supuesto, aunque este aspecto me parece termina olvidado, pues al fin y al cabo no es su propósito.

La película se desenvuelve en una lujosa mansión en donde en principio está Myriam (la vampiro) con su amante y con quien se dedica a seducir parejas en clubes nocturnos, para posteriormente asesinarles con un cuchillo que tiene una figura egipcia, posteriormente él envejecerá y morirá y seguirá en la trama una mujer quien es médica, pero allí la historia tomará un rumbo algo diferente... En realidad mantiene un buen nivel de suspenso y al tiempo de deleite por el manejo de imágenes y de los fondos musicales.

Los vampiros, igual que en Drácula, son presentados como seres de inteligencia refinada, pero con una gran diferencia: la casa de Drácula (castillo) es sucia, abandonada y desagradable, por el contrario aquí la casa es de lujo, con un exquisito decorado.

Maneja desnudos pero en forma delicada y no se excede en ellos, por lo que en este aspecto no resulta tampoco recargada.

El fondo musical excelente Como tema musical de apertura de la película aparece "Bela Lugosi's Dead", Este tema está interpretado por el grupo Bauhaus, y es todo un emblema de la cultura gótica que tanta repercusión tuvo en la década de los 80. El tema es utilizado con plena intencionalidad pues hace referencia al legendario Bela Lugosi, el actor que asumió el papel de Drácula y que dicho sea de paso había nacido en Transilvania y quien se convirtió en los 80 en símbolo gótico. Otro tema muy especial es LAKMÉ del compositor Delibes, tomado de una leyenda India, resulta delicioso al oído e interesante para su lectura posterior. También el tema central:Trio In E-Flat, Op. 100 de Schubert

Me he enterado además que esta película es una adaptación de la novela homónima escrita por Whitley Strieber en 1981. Aunque, como es usual en las adaptaciones del cine se cambian muchas partes, el libro parece ser muy interesante pues describe el origen de los vampiros.

También pude averiguar sobre el símbolo egipcio (el cuchillo) usado y tomo datos textualmente de un comentarista de cine:

“Simbolismo en El Ansia: el Ankh

“La película posee al mismo tiempo un simbolismo que no podemos dejar pasar, y que gira alrededor de la cultura egipcia, como puede comprobarse en algunos flashbacks que interrumpen fugazmente la narración de la historia y también en algunos objetos como el cuchillo con forma de ankh que utiliza Miriam para desangrar a sus víctimas, un símbolo de la vida eterna, y que constituye un elemento de gran importancia para la comprensión de la historia tal y como está planteada en la película.

Esta cruz fue un símbolo de gran importancia en el Egipto faraónico. La misma palabra significa "vida", y también "vivir". El ankh simboliza no sólo la vida eterna, sino también poder para dar y mantener la vida, lo cual explicaría el destino del personaje interpretado por Susan Sarandon cuando se sacrifica clavándose el cuchillo y, al morir Miriam, toma el relevo como nueva Reina de los Vampiros y Portadora de la Maldición. Los reyes egipcios estaban muy unidos a este símbolo, ya sea porque les fuera dado directamente por los dioses o bien porque, como portadores del mismo, daban vida a su pueblo. El ankh alarga la vida y concede la inmortalidad a aquéllos que lo llevan, canalizando el poder divino que da vida al universo y otorgándolo al portador. Como talismán, protege contra la decadencia y la degeneración, tanto física como corporal.”